Daft punk - Discovery

Discovery es el segundo álbum de estudio del dúo francés Daft Punk. Lanzado en el 2001, es una mezcla de música electrónica con aires disco, con fuerte uso de sintetizadores y con toques de rock. Las estructuras de los temas están armadas alrededor de samples de canciones olvidadas de los 70s y 80s, siendo un cambio de sonido con respecto a su primer trabajo, Homework (1997), más cercano al house. Esta tendencia a buscar en lo retro se incrementaría en las siguientes placas de la banda; prueba de esto sería su último trabajo hasta la fecha, Random Access memories (2013) -casi un álbum disco/funk-, de un éxito comercial masivo, mayor que el de Discovery. Entonces, ¿por qué el clásico no es Random access memories? Porque fue con Discovery  que despegaron internacionalmente y se convirtieron en los iconos de la música electrónica que son hoy.

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A partir del lanzamiento del disco, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo adoptaron la identidad de dos robots, diseñándose unos trajes que no volverían a sacarse para cualquier aparición pública desde entonces, modificandolos ligeramente con el correr del tiempo. Para la publicidad de Discovery junto con estudios Toei realizaron una película de animé musicalizada enteramente por el disco -de una hora- que después las cadenas como Mtv pasaban recortándola para cada una de las canciones. Imagínense lo que era ver eso para los  que crecimos con DBZ y Los caballeros del zodíaco en la televisión. Una genialidad.

"Este álbum tiene mucho que ver con nuestra infancia y los recuerdos de la situación en que estábamos en esa etapa de nuestras vidas." - Thomas Bangalter

El formato corto de los temas y su propuesta estética ayudaron también a que los temas sonaran en la radio y salieran los clips en los canales de música. El disco contiene su buena cuota de single hit con One more time y Harder, better, faster, stronger, y Digital love. Grandes canciones hechas electrónica -cabe resaltar Aerodynamic por la mezcla que hace entre base de house y solos de guitarra-, un amalgama poco común en ese momento. Ese sonido único Influenció a una camada venidera de artistas como LCD soundsystem, JUSTICE, Jungle, y hoy en día es la banda electrónica más famosa del planeta.

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Radiohead - Kid A

Este disco es un clásico. ¿Por qué?

Radiohead fue considerada originalmente “one hit wonders” por el éxito masivo de su single Creep en 1993, pero en 1995 sacaron The bends y le tapó la boca a todo el mundo. El disco era excelente y pasaron de ser mirados con desdén a ser considerados uno de los grupos más interesantes de la escena alternativa del rock británico. Ya para 1997 la banda liderada por Thom Yorke –uno de los frontman más improbables del rock, con su falsete distintivo y su personalidad retraída– había cosechado un gran caudal de críticas positivas y éxito comercial cuando lanzaron su tercer álbum, OK computer. Y las cosas se les fueron de las manos. El disco fue considerado una obra maestra absoluta, comparado con discos como Dark side of the moon y Sgt. Pepper's, y pronto Radiohead se convirtió en la banda de referencia de finales de los 90s, que inspiró el sonido de  bandas venideras como Muse y Coldplay. Hay un film llamado Meeting people is easy  sobre la gira de Ok computer que muestra a la banda avasallada por el trato de la prensa, la interminable gira y el acoso de los fans. Una banda que cantaba sobre la alienación, la paranoia y la depresión del sujeto en la vida moderna, agobiados por su propio éxito inesperado; en especial el propio Yorke, sufriendo ataques de nervios.

¿Que hace la banda que lanza el disco que termina definiendo el rock de una época? Patea el tablero y decide hacer borrón y cuenta nueva. Yorke instó a la banda a buscar nuevos sonidos, inspirados en artistas de IDM como Aphex twin y Autreche, también con algunas influencias de jazz y rock experimental. Texturas minimalistas, ritmos electrónicos, paredes de sonido ambiental, voces distorsionadas con herramientas digitales. Las letras de los temas se volvieron más abstractas, generalmente sin sentido.Yorke declaró que quería usar su voz como si fuese un instrumento más, olvidándose de las melodías y concentrándose en las texturas. Incluso para la promoción del álbum no sacaron singles ni ningún video, sino que publicaron clips de corta duración en internet (cuando internet no era la industria gigantesca que es hoy en día, sino un territorio desconocido para la mayoría de las bandas). También dieron contadas entrevistas a la prensa. Fue el primer disco mainstream promocionado a través de internet. Actitudes como estas probaban el rechazo que sentía Radiohead hacia la industria musical, una actitud que se  iría incrementando aún más en trabajos posteriores.

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En resumen, fue un salto al abismo gigantesco, algo que no acostumbran a hacer las bandas que se encuentran en la cima de su carrera. ¿Y cuál fue el resultado? Un éxito rotundo. Si bien la crítica no sabía que decir sobre los presuntos "salvadores del rock" que habían cambiado las guitarras por sintetizadores y cajas de ritmos, había tanta expectativa por el álbum que una vez que fue lanzado alcanzó el status de platino en la primer semana en Inglaterra. Hoy en día es considerado por la mayoría de las publicaciones musicales como uno de los mejores discos de la década. La ironía de una banda que renegando de su condición de superestrellas saca el disco más experimental y abrasivo que consiguen hacer, con poca difusión y aún así son aclamados. Radiohead está condenado al éxito.

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White stripes - Elephant

Este disco es un clásico. ¿Por qué?

The white stripes fueron una banda blues rock provenientes de la escena garage de  Detroit, con un estilo y una imagen peculiares: se presentaron a si mismos como hermanos (siendo en realidad pareja), sus producciones artísticas contaban solamente con los colores rojo, blanco y negro y eran una banda de dos integrantes. Jack White en la guitarra y Meg White en la batería; una banda de dos hermanos haciendo blues emulando a viejas glorias como Sun House o Robert Johnson.

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Los primeros tres álbumes de la banda, The white stripes (1999), De stijl (2000) y White blood cells (2002) fueron mostrando el progreso de la banda en tanto en la composición como en la producción, y ya para el 2002 eran una banda popular gracias al éxito de Fell in love with a girl (También cabe recordar que en el 2001 la escena musical se había sacudido con el impacto del primer disco de The strokes, que creo una fuerte demanda del público por bandas de rock indie). Sin embargo, es con este disco con el que alcanzaron la fama mundial, y con el que Jack White alcanzaría el status de guitar hero versión siglo XXI.

Elephant (2003) fue una continuación de los trabajos anteriores: blues sucio, canciones cortas con letras mordaces/humorísticas y grandes riffs. Pero todo era cada vez mejor y más grande, y  es el primer disco donde White se anima a experimentar más en el sonido de guitarra y a tocar solos. El track que abre el álbum, Seven nation army, es quizás el riff más memorable de la década entera, siendo versionado incontables veces en cualquier género que uno pueda pensar: de dubstep a cantito de cancha. La crítica fue unánimemente positiva y apareció en listas de diversas publicaciones musicales como lo mejor de los 00s. De pronto tocar blues era la posta. Jack alcanzó tal renombre que en el 2008 salió un documental llamado “It might get loud” donde guitarristas legendarios de diferentes generaciones se sentaban a conversar sobre sus influencias, sus modos de tocar y comparaban sus experiencias. Uno de los tres guitarristas era Jack White. Los otros dos eran The edge y Jimi Page.

Luego de Elephant, la banda continuó produciendo música y se separaron después de dos discos más: Get behind me Satan (2005) e Icky Thump (2007). Jack se embarcó en diferentes proyectos (solistas y en otras bandas también) y Meg pasó al cómodo retiro, disfrutando las millonadas ganadas con su arduo trabajo. 

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The strokes - Is this it

Este disco es un clásico. ¿Por qué?:

The strokes fueron la continuación de una corriente revival que atravesó los 90 apenas por el under, pero convirtieron esa escena en la reinante de la música indie a partir de entonces. Abrió el paso para el éxito de bandas bluseras como The white stripes (que  aunque habían arrancado años antes, su éxito sería en el 2001-2003, los dos años siguientes a la salida de este disco), The black keys y una infinidad del indie garage: Libertines, Arctic monkeys, The killers, Franz Ferdinand y muchos otros. Este disco, su debut, lleva vendidos 3.5 millones de copias en el mundo desde su lanzamiento, en Octubre 2001.

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Con Julian Casablancas en voces, Albert Hammond Jr. Y Nick Valensi en guitarras, Nikolai Fraiture en el bajo, y Fabrizio Moretti en la batería, la banda encarnaba lo más crudo de la escena neoyorkina de los 60-70; bandas como The velvet underground y Television, con algunas influencias de rock más clásico como el Tom Petty. En una escena donde lo mainstream era el rock alternativo y el nü metal, era novedoso. Explotó. A todo el mundo le encantó y sentó las bases para el resto de la siguiente década: melodías simples, guitarras rusticas y afiladas, sonido garagero y temas cortos, de una efectividad punk- pero siempre radio friendly-. Incluso sacudieron la estética del rock volviendo a traer las camperas de cuero, los  jeans apretados y el par de Converse gastadas.

Producido por Gordon Raphael, temas como Last Nite y Someday sonaban por todos lados y catapultó a The strokes a un éxito mundial, del disfrutaron hasta su separación. Sus figuras principales, Julian Casablancas y Albert Hammond Jr. disfrutan de un éxito modesto como solistas actualmente, con trabajos que se despegaron del sonido crudo y despojado de este disco.

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